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Psycogenesis of a hyperborean world
by Ivan Quaroni
“...because this is the great secret, known to all cultured men of our days:
We create the world that surrounds us with our own thought”.
(Marion Zimmer Bradley - The Mists of Avalon)
According to Greek Mythology the Esperides, holders of Hera's golden apples garden, were connected to the colors of the twilight, as that’s the moment when the sky turns into the golden color of a red apple. Golden apples are juicy and ripe, but actually Hera's symbols are pomegranates. In the myth, names and attributes of things are mixed up.
In Celtic mythology and in the Breton Cycle's literature, Avalon is an enchanted island, reign of bliss and eternal youth.
In his Historia Regum Britanniae Geoffrey of Monmouth translated the world in Apple's Island, also called the pometum. The apple's an obsessively recurrent symbol in the western culture and is connected with eros as well as with disgrace, as in the biblical, Homeric and fairy tradition. In Latin the apple's called Malum, indicating it as the evil, intended as trasgression and sin.
The apple Eve offered to Adam is the cause of them banished from Eden's Garden and of man falling form its original state of grace. The golden apple that Helen is offered by Paris for her beauty, the so-called apple of discord, gives origin to Venus's deadly hostility against Troy and of its consequent destruction. In Snow White the apple symbolizes betrayed innocence but also fertility. Her seeming death is metaphorical and draws the boundary line between childhood and adulthood. Myth and folklore are always undetermined, manifold and illusory as a mirror trick or as refractions from a ray of light.
Daniele Giunta is a worlds builder, a translator of the fairy tales' aleatory and vague code to the same aleatory and vague code of painting. Let's understand, he's not an illustrator, nor he's interested in putting on the canvas the characters of this or that fairy tale. Giunta doesn't use the topoi or the universal stories of traditional folklore, nor he allows himself to be seduced by the childish aesthetic of popular tales. Rather than this, his painting is an attempt to decrypt popular epos's fundamental rules and structures, creating his own chimerical universe. His research is not animated by anthropological interests, but by the desire of transformation the psychic and aesthetic needs that characterize his personality. His painting is psycho genesis of a world in which life's contrasting powers and impulses like love, fear, hope and redemption assume the semblance of characters as bright as arctic ice glares or as dark as infernal graves' shadows. His landscapes are dominated by cobalt dark and changing low intensity, by mercury penetrating and alchemical mystery and by hyperborean dawns sharp and pity less light. On the pearly candor of his silks, which darken like mist characters limpid clearness, Giunta interweaves a precious weft of iridescent drops. So visions animate themselves thanks to glitter glares, cosmetic film of silver light which sharpens the icy beauty of his princesses, giving them a breeze of supernatural enchantment. Pale and ethereal like pre-Raphaelite virgins, angelical and ghostly like Tuatha de Danaan fairies, Giunta's elfic heroines, half sylphs and half amazons, seems to rise from polar nights deep darkness. Seductive and wild like lamias and empusas consecrated to Hecat, they renovate, updating it to modern times, the prototype of decadent beauty, ambiguous mixture of virginal purity and sinful desire.
To the diurnal and adamantine light of these warrior women, the threatening shadow of the secret destroyers is opposed, diabolical chthonian race of shapeless demons, whose embers eyes burn in the thick darkness of millenarian woods and forests. They are intangible spirits which merge with landscape's morphology, meandering among shrubs and bushes, with their sharp profile which reminds of the Wycliffites appearance.
The observer has almost the suspect that the landscape itself, with its gloomy fogs pools and his milky mists, with its icy and its snowy heights, accomplice a climate of prehistorical thermical rigidity, is the better ally of these diabolical shadows. Inhospitable and impervious like tolkenian Middle Earth, Giunta's Avalon is, above all, a projection of a mood.
It would be too easy, with Freud, glimpsing in it the theatre of a battle between vital instincts and deathly pulsions, between the opposite powers of Eros and Thanatos, but it would mean reducing everything to a clinical analysis of the artist’s neurosis. Instead, the aesthetic dimension is the really original one, not only for the experimental attitude, which brings Giunta to verify the efficacy of unusual supports like silk and of cosmetic colourings like glitter, but also for his unique style, which grafts the linear stroke of the figures on shapeless landscapes, very close to abstraction.
Moreover, Daniele Giunta’s universe comes from the suggestion of special musical moods, like those which go through the modern Scandinavian electro-pop of the Röyksopp, the Knife, Feist and Sigur Rós. This is the reason for those icy landscapes, those thick and white blankets covered by snow and those indigo waters. This is the reason why his Ladies Knife have sharp features and high cheekbones typical of arctic people. Giunta is fascinated by the Great North, not necessarily the geographical one, but the intimate one of the romantic imagination which brings him to be a kind of modern wanderer, a bohemian in the I-Pod age, able to adjust the symbolist suggestions of Victorian Age to the nervous and synthetic sensibility of present-day. In him the gothic spirit of the post-punk bat caver comes back to life, but contaminated by a dandy attitude which balances the dark and shadowy atmospheres of his paintings with the inclination towards a precious and studied elegance.
The most remarkable element of his search is, anyway, the ability to create an original painting, which handles the shape with extreme freedom, letting them oscillate between abstraction and figuration, so much that he dissolves the calligraphic precision of the drawn line in the ink sea of his landscapes. In any case, it’s a quality which allows a lot of different interpretations. But if the images are so undefined that they avoid a linear or even a narrative reading, this mainly depends on the peculiarity of the handled matter. Epos is naturally elusive. It backs out of logical thought cataloguing because it’s mobile and uncatchable like Confucius' flowing water or Heraclit’s flame. In this way, Celts’ Avalon turns into Christians’ Glastonbury, druids become priests and fairies mutate into witches.
Psicogenesi di un mondo iperboreo
di Ivan Quaroni
“Perché questo è il grande segreto, noto a tutti gli uomini colti del nostro tempo:
con il nostro pensiero, noi creiamo giorno per giorno il mondo che ci circonda”.
Marion Zimmer Bradley - Le nebbie di Avalon
Secondo la mitologia greca le Esperidi, che custodivano il giardino dei pomi d’oro di Hera, erano collegate con i colori del crepuscolo, momento in cui il cielo assume il colore dorato di una mela rossa. I pomi d’oro sono mele succose e mature, eppure i simboli di Hera sono le melagrane. Nel mito i nomi e le proprietà delle cose si confondono e si mescolano. Nella mitologia celtica e nella letteratura del ciclo bretone, Avalon è un’isola incantata, regno fatato di beatitudine e giovinezza eterna. Nella sua Historia Regum Britanniae Goffredo di Monmouth ha tradotto il termine con Isola delle mele, detta anche il pometo. La mela è un simbolo ossessivamente ricorrente in tutta la cultura occidentale ed è collegata tanto all’eros quanto alla disgrazia, come dimostra la tradizione biblica, omerica e fabulistica. In latino, il nome della mela è Malum, che indica sia il frutto del melo sia il male, inteso come trasgressione e peccato. La mela che Eva offre ad Adamo è la causa della cacciata dall’Eden dei progenitori e della caduta dell’uomo dal primordiale stato di grazia. La mela d’oro che Paride offre a Elena in riconoscimento della sua bellezza, il cosiddetto pomo della discordia, è all’origine della funesta inimicizia di Venere verso Troia e della sua conseguente distruzione. Nella favola di Biancaneve la mela simboleggia l’innocenza tradita, ma anche la fecondità. La sua morte apparente è, in verità, una morte metaforica, che segna il passaggio iniziatico dalla fanciullezza all’età adulta e dunque fertile. Il mito e il folclore sono sempre indeterminati, molteplici e ingannevoli come un gioco di specchi o come le rifrazioni di un raggio di luce.
Daniele Giunta è un costruttore di mondi, un traduttore del codice aleatorio e indefinibile della fiaba nel linguaggio altrettanto aleatorio e indefinibile della pittura. Intendiamoci, non è un illustratore, né è interessato a riportare sulla tela i personaggi di questa o di quella fiaba. Giunta non usa i topos e le vicende universali della tradizione folcloristica e nemmeno si lascia irretire dall’estetica fanciullesca dei racconti popolari. Piuttosto, la sua pittura è un tentativo di decrittare le regole e le strutture fondamentali dell’epos popolare, creando il suo personale universo chimerico. La sua ricerca non è animata da un interesse antropologico, ma piuttosto da un anelito di trasfigurazione fantastica delle istanze psichiche ed estetiche che caratterizzano la sua personalità. La sua pittura è psicogenesi di un mondo in cui le forze e gli impulsi contrastanti della vita come l’amore, la paura, la speranza e la redenzione assumono le sembianze di personaggi luminosi come il bagliore dei ghiacci artici e oscuri come le ombre degli avelli infernali. I suoi landscape sono dominati dalla bassa intensità cupa e cangiante del cobalto, dal mistero penetrante e alchemico del mercurio e dalla luce affilata e impietosa delle albe iperboree. Sul candore perlaceo delle sue sete, che offuscano come nebbia, la nitidezza cristallina delle figure, Giunta intesse una trama preziosa di gocce iridescenti. Così, le visioni si animano grazie ai barbagli del glitter, pellicola cosmetica di luce argentea che acuisce l’algida bellezza delle sue principesse, donando loro un’aura di soprannaturale incanto. Pallide ed eteree come le vergini preraffaellite, angeliche e spettrali come le fate dei Tuatha de Danaan, le elfiche eroine di Giunta, metà silfidi e metà amazzoni, sembrano affiorare dal buio profondo delle notti polari. Seducenti e ferine come le lamie e le empuse sacre ad Ecate, esse rinnovano, aggiornandolo ai tempi correnti, il prototipo della bellezza decadente, ambigua commistione di purezza virginale e peccaminosa prurigine.
Alla luce diurna e adamantina di queste madonne guerriere, si oppone l’ombra minacciosa dei distruttori segreti, mefitica stirpe ctonia di demoni informi, i cui occhi di bragia fiammeggiano nel fitto buio di boschi e foreste millenarie. Sono spiriti intangibili che si confondono con la morfologia del paesaggio, serpeggiando tra arbusti e cespugli, con il loro puntuto profilo che ricorda la foggia dei battenti incappucciati. Viene quasi il sospetto che il paesaggio stesso, con le sue fosche caligini e le sue brume lattiginose, con le sue polle ghiacciate e le sue cime innevate, complice un clima di preistorica rigidità termica, sia il miglior alleato di queste ombre diaboliche. Luogo inospitale e impervio come la tolkieniana Terra di Mezzo, la Avalon di Giunta è soprattutto proiezione di uno stato d’animo. Sarebbe fin troppo facile, con Freud, intravedervi il teatro di uno scontro tra istinti vitali e pulsioni di morte, tra le avverse forze di Eros e Thanatos, ma ciò significherebbe ridurre tutto a un analisi clinica delle nevrosi dell’artista. È, invece, la dimensione estetica ad essere originale, non solo per l’attitudine sperimentale, che porta Giunta a verificare l’efficacia di supporti inconsueti come la seta e di coloranti cosmetici come il glitter, ma in ragione del suo stile unico, che innesta il tratto lineare delle figure su fondi paesaggistici informi, assai prossimi all’astrazione.
Di più, l’universo di Giunta scaturisce dalla suggestione di particolari mood musicali, come quelli, ad esempio, che attraversano il moderno elettropop scandinavo, dai Röyksopp ai Knife, passando per Feist e Sigur Rós. Ecco il perché di quegli scenari assiderati, di quelle spesse e bianche coltri innevate e di quegli specchi d’acqua color indaco. Ed ecco anche perché le sue Lady Knife hanno i lineamenti affilati e gli zigomi alti tipici delle genti artiche. Giunta è affascinato dal Grande Nord, non necessariamente quello geografico, ma quello intimo dell’immaginario romantico che lo induce ad essere una sorta di moderno wanderer, un bohemien nell’era dell’I-Pod, capace di adeguare le suggestioni simboliste della Victorian age alla sensibilità nervosa e sintetica della contemporaneità. In lui rivive anche lo spirito gotico del batcaver post-punk, ma contaminato da un’attitudine dandy che bilancia le atmosfere cupe e umbratili dei suoi dipinti con l’inclinazione verso un’eleganza ricercata e preziosa.
L’elemento più significativo della sua ricerca rimane, tuttavia, la capacità di dare corpo ad una pittura originale, che tratta le forme con estrema libertà, lasciandole oscillare tra astrazione e figurazione, tanto da stemperare la precisione calligrafica della linea disegnata nel mare d’inchiostro dei suoi paesaggi. Si tratta comunque di una qualità che lascia aperte molteplici possibilità d’interpretazione. Ma se le immagini sono tanto indefinite da impedire all’osservatore una lettura lineare o addirittura narrativa, ciò dipende innanzitutto dalla particolarità della materia trattata. L’epos è elusivo per natura. Si sottrae alla schedatura del pensiero logico poiché è mobile e inafferrabile come l’acqua corrente di Confucio o la fiamma di Eraclito. È così che la Avalon dei celti trasmuta nella Glastonbury dei cristiani, i druidi diventano preti e le fate si trasformano in streghe.
Laboratorio Italia - new trends in painting
edited by Ivan Quaroni
Giunta’s nocturnal fantasies are cleverly harmonised with attractive contrasting effects of light: he creates an alternation of sparkling transparencies and restless shadows, a diorama of dream-like images which are as translucent as the layer of silk that cover them. By painting on (or under) a silk ‘epidermis’ he casts a haze over his subjects, rendering them pale and diaphanous as if glimpsed through a veil. His ice princesses, fairies, mermaids, femmes fatales and belles dames sans merci inhabit a world which is threatened by oppressive forces, secret attackers plotting under the cover of darkness. These are the images which characterise Daniele Giunta’s paintings which draw on the atmosphere of a symbolist, decandent reverie, blending a taste for gothic fairy tales with a love of graceful pre-Raphaelite portraits. He has developed a contemporary gothic style which bears numerous influences from music and film, filtred by anti-realistic approach, in a belanced blend of graphic and gestural elements.
Laboratorio Italia - nuove tendenze in pittura
di Ivan Quaroni
Una pittura notturna e fantastica, sapientemente accordata sulle corde di contrasti luministici seducenti, in cui si alternano trasparenze adamantine e ombre inquiete, in un diorama d'immagini sognanti e traslucide come la seta di cui sono ricoperte. Daniele Giunta dipinge sopra (o sotto) il livello di una "epidermide" serica che sfuma i soggetti, rendendoli pallidi e diafani come fossero osservati attraverso una coltre di veli. Algide principesse, fate, sirene, femme fatale e belle dames sans merci si muovono in un mondo minacciato da incombenti presenze, da distruttori segreti che tramano nel buio fitto della notte. Sono queste le immagini evocate da Daniele Giunta, che condensa nella sua pittura tutte le suggestioni dalla reverie simbolista e decadente, mescolando il gusto per la fiaba noir quello per l'aggraziata ritrattistica preraffaellita. Il suo è uno stile gotico contemporaneo in cui si avvertono numerose influenze musicali e cinematografiche filtrate, tuttavia, da una sensibilità pittorica antirealistica, che combina in egual misura segni grafici e apporti gestuali.